Category Arts

An unusual occurrence affects time throughout Stereophonic, a brilliant play by dramatist David Adjmi and directed by Daniel Aukin at the John Golden Theatre in New York. The production, lasting three hours and 10 minutes, encapsulates an entire year, spanning June 1976 to June 1977, during which a band—comprising vocalist Diana (Sarah Pidgeon), lead guitarist Peter (Tom Pecinka), keyboardist Holly (Juliana Canfield), bassist Reg (Will Brill), and drummer Simon (Chris Stack)—is engaged in creating their upcoming album, with engineers Grover (Eli Gelb) and Charlie (Andrew R. Butler) overseeing the soundboard. And, to clarify, those three hours and 10 minutes don’t whiz by. This is a play that luxuriates in silences—whether strained, astonished, or melancholic—just as much as it does in boisterous noise. (Will Butler of Arcade Fire crafted the tracks, which the performers play on authentic instruments.) The intricately designed recording-studio set, by David Zinn, remains constant, so it’s understandable if you’re unsure how much time has progressed by Act I’s conclusion (a month), or oblivious that by Act IV, they’ve moved from Sausalito to Los Angeles.

Yet the narrative, such as it is—anchored in the occasionally tense, often monotonous, and sometimes enlightening journey of creating art—casts a captivating charm. Stereophonic had a packed-off-Broadway season last autumn at Playwrights Horizons, preceding its Broadway relocation this April, where it garnered further praise (and four Drama League Award nods). Both Sarah Pidgeon, 27, and Juliana Canfield, 32, allude to grand, intangible forces (“the universe”; “a great deal of mysticism”) when queried about what initially drew them to the work.

Pidgeon—previously recognized for her characters in Prime Video’s The Wilds and Hulu’s Tiny Beautiful Things—auditioned for the play last May, having first read for it in March 2020. (The pandemic hindered plans for a spring 2021 performance.) Those intervening years turned out to be crucial for her portrayal of the introspective, slightly anxious Diana; emotional nuances she could merely attempt at 23 now hold more significance in her later 20s. “There were themes she discussed that I could now identify within my own experiences,” Pidgeon notes on a Tuesday morning during previews. Not only did the disintegrating romance between Diana and Peter—who converse, then argue, about aspirations, professional stresses, and parenthood—appear less obscure to her than previously, but Pidgeon’s viewpoint on her own artistry had also matured significantly. Diana, who contemplates her rockstar persona more directly than any other band member, “doesn’t entirely comprehend her authority and influence [as a lyricist], because she depends heavily on her partner to bring it to fruition,” Pidgeon elucidates. As an actress, she could identify that self-awareness. “There’s so much refusal in this field,” she states. “I believe it can nurture a lot of self-doubt and reconsideration, this belief that you can’t perform this role unless several individuals decide they want to employ you and provide the opportunity.”

Trouvez ici toute la couverture de Vogue sur Vogue World 2024 à Paris !

Vogue World: Paris 2024 s’approche à grands pas, et tandis que nous anticipons avec enthousiasme ce que la Ville Lumière réserve, il y a une multitude d’histoires de mode déjà emblématiques à explorer des deux premières éditions, à New York (2022) et Londres (2023). Avant le spectacle de dimanche, revisitez ci-dessous tous les meilleurs moments des précédents Vogue Worlds.

Serena Williams lançant Vogue World: New York en Balenciaga sur mesure

Para la artista Jordan Casteel y la diseñadora de moda Batsheva Hay, fue amor a primera vista. Mientras sus esposos, ambos fotógrafos, habían sido cercanos durante años, las dos mujeres entablaron una amistad propia durante los primeros días de la pandemia, cuando la pintora nacida en Denver y radicada en Nueva York estaba buscando su vestido de novia. “Sabía que no quería usar un vestido blanco. Quería ponerme algo divertido, juguetón y representativo de mí,” dice Casteel. Después de que el ahora esposo de la artista, David Schulze, recomendara a Hay, conocida por sus vaporosos vestidos estampados, la diseñadora terminó haciendo dos vestidos de novia para Casteel: uno de tela de estampado de cera azul y amarillo y el otro de moiré rojo.

“Batsheva y yo estamos muy interesadas en el color y el patrón y en cómo nuestro trabajo puede activar espacios y cuerpos. Hay una auténtica jovialidad en su ropa que también me interesa en el contexto de mi obra,” menciona Casteel. Conocida por retratos y pinturas que Hay describe como “honestos, brillantes e interesantes,” Casteel tiene una habilidad especial para plasmar patrones y texturas—piensa en abrigos de piel de cordero con empaste grueso y botas de goma irisadas que casi puedes oír chirriar. Al igual que Hay, la artista se deleita en combinaciones de colores inesperadas, a menudo sustituyendo los tonos naturales de piel de sus modelos con matices de rojo, verde y púrpura.

A lo largo de los años, la práctica de Casteel se ha expandido para abarcar escenas urbanas, paisajes y bodegones, reflejando su mudanza de Harlem al norte del estado de Nueva York en 2021, aunque independientemente del tema, su brillante creación permanece increíblemente constante. Hasta el 23 de noviembre, la Hill Art Foundation en Chelsea presenta “Jordan Casteel: Campo de visión,” una exposición individual con 25 obras que abarcan la última década de su carrera. Curada por Lauren Haynes, jefa de curaduría en Governors Island Arts y vicepresidenta de artes y cultura en el Trust for Governors Island en la ciudad de Nueva York, la muestra incluye préstamos importantes junto con cuatro retratos monumentales de la colección de J. Tomilson Hill, fundador de la organización sin fines de lucro. (Dos de estos retratos son regalos prometidos al Museo Metropolitano de Arte y al Museo Solomon R. Guggenheim.)

Aunque el título de la exposición, “Campo de visión,” se refiere al proceso de Casteel de fotografiar a sus modelos antes de pintarlos, también establece el tono para lo que es, posiblemente, la exposición más personal de la artista hasta la fecha. “Mi mamá me envió un mensaje diciendo, ‘No sé tú, pero creo que esta es tu mejor muestra hasta ahora.’ Hay un elemento de eso con lo que estoy completamente de acuerdo,” dice Casteel. “Esta muestra se siente tan de mí, y se relaciona con la forma en que interactúo con mi trabajo a diario. Es el núcleo de cómo me siento al hacer estas pinturas y al experimentarlas cuando están todas juntas. Es la encarnación completa de mí en la práctica.”

“It wasn’t centered on me. It focused on the garments.” A remark by Naomi Campbell, which—when you consider the topic of the V&A’s newest fashion display—doesn’t exactly align. In past times, the South Kensington museum has achieved unprecedented success with retrospectives devoted to iconic designers (consider 2023/2024’s “Gabrielle Chanel. Fashion Manifesto” and 2019’s “Christian Dior: Designer of Dreams”), yet it has never before devoted an exhibit to a single model, one whose rapid teenage triumph—and whose image-making is so legendary—she is simply referenced by her first name.

“Naomi: In Fashion” narrates the incredible 40-year journey of the Streatham-born runway phenomenon, who initially spent her time dancing in music videos for Bob Marley and Culture Club before being discovered in Covent Garden in 1985 at age 15 by scout Beth Boldt. Since her inaugural cover shoot in 1987 (photographed by Patrick Demarchelier; the outfit, lavishly decorated gold and turquoise Chanel Haute Couture crafted by Karl Lagerfeld), Campbell has appeared on the cover of Vogue US and British Vogue multiple times. In August 1988, she became the first Black woman captured for the cover of Vogue France; she signified the supermodel’s towering era on the 1991 cover of Time (accompanied by the headline “Beauty and the Bucks”), and in 1997 became the pioneering Black model to inaugurate a Prada show.

“I can’t fathom unveiling my retrospective anywhere aside from London—this is where I was born, brought up, and discovered—but admittedly, it is somewhat nerve-wracking to perceive it as a homecoming,” Campbell penned in the March 2024 issue of British Vogue.

“It’s tough to envision any other model who justifies their own exclusive museum exhibit,” comments Sonnet Stanfill, senior curator, fashion, at the V&A, during an exhibition preview, where we’re welcomed in the ground-floor gallery by an exuberant montage of Campbell’s runway appearances. Assembled from the supermodel’s own vast fashion collection, personal mementos (including one of her initial Concorde tickets, and her profile pages in Elite’s 1997 model directory book), and photography across decades, Stanfill has crafted a multi-sensory exploration through the milestones of a unique career—one that involved Campbell forging enduring partnerships with designers such as Azzedine Alaïa, Jean Paul Gaultier, and Karl Lagerfeld, photographers from Steven Meisel to Peter Lindbergh, and transitioning after a notable George Michael music video from a supermodel with a bold “S” into a social activist and philanthropist, who connected with Nelson Mandela and co-founded the Black Girls Coalition in 1989, alongside Bethann Hardison and Iman. As Campbell previously shared with Vogue: “Standing before my wardrobe is a humbling instance; vivid memories of past dialogues with legendary designers who ranked among my dearest friends and collaborators return.”

Un chanteur country charmant, fatigué de la gloire et aspirant à une vie modeste, abandonne tout pour lancer un magasin fermier dans sa ville natale; là, l’amour, des muscles saillants et des réflexions existentielles s’ensuivent. Bien qu’il puisse s’agir du synopsis de la page d’accueil de la dernière sortie de Hallmark Channel (un film de 2015 appelé A Country Wedding n’en est pas loin), c’est en réalité l’intrigue de Hold On to Me Darling, une pièce de 2016 de Kenneth Lonergan. Une nouvelle reprise de celle-ci est actuellement à l’affiche off-Broadway au Lucille Lortel Theatre, mettant en vedette Adam Driver dans le rôle de Strings McCrane, un chanteur troublé. (Neil Pepe est à la direction.) Malgré le scénario sentimental, c’est une réflexion perspicace sur les pièges de la célébrité avec des interprétations riches, y compris une formidable prestation de Driver.

Nous rencontrons McCrane pour la première fois dans une suite d’hôtel à Kansas City, où il tente de faire face au récent décès de sa mère, une femme redoutable qu’il n’a jamais su pleinement satisfaire. Entre en scène Nancy, une masseuse locale qu’il engage pour se détendre, qui voit rapidement en McCrane sa porte de sortie—et qui pourrait la blâmer? (Pour les curieux, un Driver musclé est en boxer dans les 10 minutes suivant le lever de rideau.)

The late Bay Area creator Bernice Bing was 25 when she showcased her initial solo exhibit at San Francisco’s daring yet brief Batman Gallery in 1961. Her abstract artworks received acclaim; San Francisco Chronicle reviewer Alfred Frankenstein remarked that Bing possessed a “remarkable talent for fluid line,” among other accolades. Quite impressive for a fresh MFA graduate. “People were a bit caught off guard by my work because I hadn’t drawn much attention at school,” Bing reflected once. “So, when I hosted that exhibit, individuals were rather astonished by it. I enjoyed that; I love surprises!”

Sixty-three years afterward, Bing is featured in another remarkable debut: her first solo exhibition in New York. “Bernice Bing: BINGO,” displayed at Berry Campbell gallery until October 12, showcases over 30 pieces ranging from 1961 to 1998, the year Bing succumbed to cancer at 62. It’s a long-awaited recognition for an artist whose intense paintings stand alongside the other luminaries of mid-century American art.

Throughout her life, Bing faced numerous obstacles: She was lesbian, Chinese American, orphaned, abused, and a woman. Moreover, she was an Abstract Expressionist residing approximately 2,500 miles from that movement’s core. Yet, she persevered, delving into art history, the vibrant California environment, and her own intricate history within her powerful artworks.

Although she was well-recognized within Bay Area art circles, broader recognition of her pieces was scarce—as was common for many non-white, non-male creators of that period. “She was a phenomenal artist who remained concealed because people were reluctant to engage with her,” commented Martha Campbell, who, along with Christine Berry, established Berry Campbell in 2013.

La vida de un fotógrafo de guerra puede sonar como el elegante periplo global de ensueños de oficina, pero como señala la célebre fotoperiodista de conflictos Lynsey Addario en su memoria de 2015, It’s What I Do, la realidad del oficio es a menudo menos ostentosa y más emocional de lo que parece. “Veo imágenes en periódicos, revistas, en internet—campos de refugiados en Darfur, mujeres en la República Democrática del Congo, veteranos heridos—y mi corazón salta”, escribe sobre perseguir el trabajo que regularmente la separa de su familia y a menudo la pone directamente en peligro. “De repente me invade esta tranquila angustia—una inquietud que significa que sé que iré.”

Ahora, la primera exhibición individual de Addario, “Raw”, curada por Danny Moynihan, está en exhibición en la galería Lyles & King en la ciudad de Nueva York, donde se mantendrá hasta el 9 de noviembre. Vogue conversó con Addario sobre dar el salto del fotoperiodismo al arte; la importancia de capturar los aspectos más sutiles y menos violentos de la guerra; y sus consejos para otras mujeres en campos similares. La conversación ha sido editada y condensada.

Vogue: ¿Cómo se siente ver tanto de tu trabajo en un solo lugar?

Lynsey Addario: Quiero decir, es una colección pequeña en comparación con 25 años de fotografía de guerra, pero es realmente interesante ver la curaduría y estas imágenes de guerra y problemas climáticos enmarcadas y en las paredes de una hermosa galería en Nueva York.

¿Cómo fue trabajar con el curador Danny Moynihan?

Fue increíble. Danny es en realidad el primo del padre de mi esposo, así que conozco a Danny desde hace años, pero también siempre ha sido un gran defensor de mi trabajo y obviamente está muy establecido en el mundo del arte como un artista y escritor increíble. Fue un gran proceso; fue muy colaborativo. Comencé entregándole décadas de mi archivo—algunas de mis imágenes favoritas que se han vendido en el pasado, pero también aquellas que han resonado conmigo a lo largo del tiempo. Y luego simplemente le permití hacer su curaduría porque pensé que sería interesante ver cómo alguien que no está en el mundo del periodismo curaría este cuerpo de trabajo para un espacio de bellas artes. Una de las cosas que siempre trato de hacer con mi trabajo es lograr que personas que normalmente no prestarían atención a los conflictos o crisis humanitarias se detengan y vean una foto, hagan preguntas e interactúen con el tema. Así que cruzar esa frontera del periodismo al arte es un proceso realmente emocionante porque es un público completamente diferente.

En este momento de aparentemente incesante conflicto global, ¿hay algo que desearías que los espectadores de las noticias—y de tu trabajo—entendieran mejor o de manera diferente?

Cinq ans (et huit Tony Awards) après ses débuts à Broadway, Hadestown, la captivante adaptation musicale d’Anaïs Mitchell de la légende d’Orphée et Eurydice, n’a jamais sonné aussi bien. Cela est dû non seulement à Jordan Fisher (Hamilton, Dear Evan Hansen, Sweeney Todd) et Maia Reficco (la série Pretty Little Liars: Summer School de Max), qui incarnent les jeunes amoureux mythologiques aux destins inévitablement malheureux, mais aussi aux talents remarquables de Stephanie Mills, qui a rejoint le casting cet été en tant que Hermès.

Dans un rôle initialement créé par André De Shields—le Magicien pour sa Dorothy dans la production originale de Broadway de The Wiz, le spectacle qui a lancé sa carrière—Mills illumine le Walter Kerr Theatre comme une fusée incendiaire, en dotant le narrateur de facto de l’histoire d’une empathie maternelle émouvante et de la chaleureuse sonorité soul que les amateurs de son travail en tant qu’artiste d’enregistrement connaissent si bien.